Ears Addicted. Music Non Stop

John Coltrane: meditación y fractalidad

Actualmente asuntos como la expansión del universo, que éste surgió del susodicho Big-Bang, que para ser como es debe tener cuando menos 9 dimensiones son temas de chisme de lavadero. Bueno, tal vez exagero; lo cierto es que ya forma parte del dominio público el que Todo estuvo junto alguna vez para luego explotar, que no somos el centro del universo, etcétera; que hasta un Vicente Fox cualquiera lo podría decir sin empacho.

Y esas conclusiones que hoy pueden integrarse sin mayor problema a la doxa cotidiana no serían posibles sin siglos de civilización, sin la idea loca de éste u aquel otro astrónomo ya polcao, ya italiano, ya inglés. Lo inverosimil debió haber sido el punto cero de la civilización; trato de imaginar al primer ser humano que se hizo un pregunta, sin absolutamente ninguna referencia previa, tal vez se preguntó "qué es aquello" (desde luego, lo equivalente en términos de su hipotético primer lenguaje), no pudo haberlo hecho sin una cierta noción de lo "aquello", la "aquellidad" (sic); pero cómo concebir cualquier conceptualidad, la aquellidad ene ste caso, sin el lenguaje. El punto cero es casi inconc

ebible para cualquiera que venga después de él, después del lenguaje, del pensamiento abstracto. El hombre del punto cero debió haber sido un auténtico Adán.

Así, sería inimaginable la cuántica o la gravedad sin la creación de aparatos como el telescopio, sin que a un loco se le ocurriera el cálculo diferencial y, en fin, sin que a un par de semi changos, o mejor dicho de post changos, les pasara por la masa gris que hay un mundo más allá de sus narizotas, más allá de comer y de comer con "g".

Así pues, me sorprenden cada vez más los pensadores llamados "presocráticos". Su grado de abstracción y lejanía histórica hace que muchos los quieran leer desde la actualidad de manera simplista. Pero ¡traten de concebir el origen de todas las cosas que existen, que son --y en algunos casos también las que no son-- sin todas las fórmulas acabadas que nos enseñaron en la primaria!

Es por ello que me voy de espaldas cuando leo a un tipo que vivió cinco siglos antes que cristo, y sus escritura asegura "Juntas y de vez estaban todas las cosas, sin límite en cuanto a capacidad repletiva, sin límite igualmente en cuanto a pequeñez; que lo pequeño no tenía tampoco límite. Y, a pesar de hallarse juntas y de vez todas las cosas, bajo el dominio de la pequeñez ni una sola de ellas estaba de manifiesto". Me refiero, claro está, a Anaxágoras; cualquier parecido con lo que se dice que había antes del Big Bang no es coincidencia.

O cuando dice "en todo hay de todo, hay una suerte o parte de todo": ¡una noción de fractalidad dos milenios antes de Mandelbrot! No es este el momento de sacar a relucir la genialidad heráclito-parmenidea, o el prólogo a la cuántica que hace Demócrito; sólo cabe señalar y pasmarse ante las conclusiones a que llegaron con el único --si se me permite la redundancia-- medio de la Meditación, la contemplación, la θεωρία.

Meditar ¿Qué es meditar? Al plantear la pregunta comenzamos ya a meditar. ¿Qué es meditar? --del latín "meditatio". En el orden del estricto significante, es decir, abstraídos del significado y la etimología, Meditatio remite a una cierta mediación, lo medio, el en medio; mediación entre dos (cuando menos), un uno y un otro. Si se busca la mediación es por el no acceso, la no estancia en lo otro, el objeto de la meditación. Y lo que está del otro lado del camino, del medio, es una iluminación, un des-cubrimiento, Alétheia --que no tendrá "validez" científica, eso vale aquí un Pontificio Rábano.

Meditar sobre lo Uno y lo Múltiple --empédocles, desdeluego--, el todo y lo particular, lo uni-verso y lo multi-verso, la fractalidad del todo contenido en lo uno. ¡Vaya Maravilla!

Fractalidad y Meditación, un adjetivo y un sustantivo para John Coltrane. Meditación por lo abstracto y poder de mediación (con un posible dios, con el amor, la comapsión por los otros, lo otro, El Otro, l'Autre, le tout autre) de su disco llamado así "Meditations" un poderoso tránsito (¡mediación!) que va del Coltrane modal (en lo personal mi etapa favorito, no sólo de Coltrane sino tal vez de todo el jazz) a su etapa free --y última.

La fractalidad, un justo calificativo para su jazz modal. ¿Qué es jazz modal? --meditamos. Más que un estilo, es una estructura para interpretar, ohh estructuras --guiño para Lévi-Strauss. Y como se dice mejor en términos wikis, cito: que en el jazz modal "cada nota en la escala se convertía en la primera nota de un nuevo modo, que aunque podía incorporar todas las notas de la escala mayor original, sonaba diferente porque el nuevo punto de partida reorganizaba el orden de distancias entre las notas. Así, si un músico estaba improvisando sobre, por ejemplo, un acorde en Re, podía elegir cualquier

centro clave correspondiente a la escala, incluyendo la nota Re (a menos que el compositor dictase modos específicos para ser usados en los solos)."

Por eso hay un aire de fractalidad e irresolución, una estructura que se propone, se bifurca, se contrae; el sonido inicial anunciaba ya la pieza total, que a su vez conserva la reminiscencia de las primeras notas. El todo es escucha en la parte y la aprte resuena en el todo. Por ello la improvisación en el Modal Jazz es sumamente difícil, además hay que hacerlo sin sonar repetitivo. ¡Por eso hay tan pocos discos de jazz modal!, todos ellos ejecutados por un puñado de genios.

Davis, el padrino del modal dijo "The music has gotten thick. Guys give me tunes and they're full of chords. I can't play them...I think a movement in jazz is beginning away from the conventional string of chords, and a return to emphasis on melodic rather than harmonic variation. There will be fewer chords but infinite possibilities as to what to do with them".

Y para no ser tan simplístas, hagamos un tándem. Hoy la medicación de loboob exige una sobredosis de Coltrane, el libre y el modal:

Para Meditations: www.mediafire.com/?23d1nd2ww51 (cortesía de http://theoreticalmusic.blogspot.com)

Y para los buenos modales, my favorite things, por si aún no lo tienen --que sería un pecado--: http://www.badongo.com/file/10812756

Y como wikipedia es mejor para als fichas técnicas: Coltrane

Aquí su ejecución de My favorite things (Vi a McCoy Tyner en vivo, malditasea!):

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The Flaming Lips: Viaje través de los paraisos artificiales

En algún momento de 1965, John Lennon y George Harrison se encontraban en un elevador, cuando súbitamente ante ellos apareció la visión abrasadora de las llamas; creían que todo estaba incendiándose o que estaban a las puertas del infierno. No tenían la menor idea de lo que sucedía y se pusieron a gritar como histéricos. Minutos antes, en un club en el que se encontraban, un conocido les había suminstrado LSD en su bebida sin que ellos se dieran cuenta.

La experiencia psicodelica siempre ha estado ligada a la de las drogas, específicamente al ácido lisérgico. Los hippies, esos predicadores del flower power, se esparcían por todos lados en América, como cristos multiplicándose como gremlins. Los hijos de Chuck Berry y James Dean bailaban mas frenéticos que nunca.
En aquellos tiempos se hacían experimentos con el LSD cuales investigaciones científicas, sometían a personas como a el cineasta Federico Fellini a tales experiencias, con la única intención de observar de que manera se prolongaban los efectos en las personas creativas. Aldous Huxley, el autor de "Un Mundo Feliz" y "Las Puertas de la Percepción", (titulo éste ultimo que inspiraría el nombre de la famosa banda del difunto Jim Morrison) por su propia cuenta buscaba desarrollar su propia percepción e "iluminarse" por medio de esta y otras drogas de efectos similares.

Pero estábamos en 1965. La música pop, o el rock and roll, se volvía más aventurada; ahora danzaban a la par con formas más extensas y más propias del sinfonismo o del jazz. Aunque, probablemente todos estaban demasiado drogados para escucharla. O tal vez, todo se reducía a revivir los rituales mágicos, los rituales paganos del pasado.
Detrás de estas danzas dionisiacas, estaban los músicos, fabricando las bandas sonoras de la alucinación colectiva. Pink Floyd, The Grateful Dead, Janis Joplin, The Doors, Jimi Hendrix, al igual que bandas previamente establecidas como The Beatles, The Who y The Kinks, eran los sumos sacerdotes que se adherirían a ese nuevo estilo, a ese surrealismo de parábolas pacifistas.

Corta fue la existencia del movimiento hippie, y así mismo, de la música psicodelica, pero su influencia seguiria esparciendose a través de los años.

En la década de los ochentas surgiría en la ciudad de Oklahoma, The Flaming Lips; quienes en aquel entonces eran una banda de culto que solian crear un sonido que bien podría calificarse de psicodelia punk (si tal mezcla es posible). Sus miembros cambiarían a través de los años, a excepción de el hombre de la voz, Wayne Coyne, un tipo obsesionado con la ciencia ficción, la navidad y los zoologicos; y el bajista Michael Ivins, un tipo bizarro que hoy lleva siempre lentes oscuros y parece miembro de la policía secreta. A principio de los noventas se les uniría el multi-intrumentalista Steve Drozd (batería, teclados, guitarras), un ex-heroinomano, hijo de un saxofonista que tocaba en una banda de Polka. Recientemente se les uniría Kliph Scurlock, al principio como baterista de gira, y después como miembro permanente de la banda.

A partir de finales de los noventas, su sonido tomaría un giro completo para encontrarse con la música electrónica y el pop sinfónico, dejarían de ser una banda de culto para entrar en el mainstream, para bien o para mal. Sin ser virtuosos de su instrumento, sin duda lo llegarían a ser del estudio de grabación, explotando todas sus posibilidades de la misma manera en que lo harían The Beatles a finales de los sesentas o recientemente la banda inglesa Radiohead.

No hay necesidad de hablar y alabar sus magníficos trabajos previos: Zaireeka (1997), The Soft Bulletin (1999) y Yoshimi Battles the Pink Robots (2002). Los tres son albums que para para muchos de nosotros tienen un lugar asegurado en los clásicos de nuestra audioteca personal.

Hoy, despues de tres años desde su ultimo album, At War With The Mystics (2006). Los Labios Ardientes vuelven a la carga, los chicos de Oklahoma empuñaron sus guitarras, mas distorsionadas que nunca, llenos de entusiasmo como siempre, y nos traen el album más psicodelico que hasta a la fecha han hecho.
Embryonic nos llega con una descarga de bajeos y riffs incesantes que acompañan a la masa sonora que avanza: gritos, aullidos, sonidos de animales, campanas, arpas electronicas, coros.

Es este el menos melodico de todos los albums que los Lips han hecho ultimamente; en algunos tracks la voz de Wayne se pierde en el fondo, se funde con él. Tal vez seria en el Zaireeka, más que en los tres álbums, anteriores en donde encontremos más puntos en común. Al mismo tiempo, todo el pasado de los Lips se condensa en este disco: el punk, las disonancias ocasionales, los arreglos electronicos, los pomposos sonidos electro-orquestales (del que ya se encontraban rastros en la banda sonora de su propio film de ciencia ficción "Christmas on Mars").

Como la mayoria de los albums dobles de la historia (The White Album, Physichal Graffiti, Re) éste va en todas direcciones; dejandose llevar por la variedad de ideas, los músicos se sintieron en completa libertad de no preocuparse más por el limite de espacio, de olvidarse de mantener un leitmotiv o idea unificadora.

Cosmogenia, zoofilia (en el sentido de amor a los animales) y existencialismo parecen ser los temas principales en la mente de Wayne Coyne.
Michael Ivins y Kliph Scurlock, bajista y baterista respectivamente, se encargan de mantener la sección ritmica a todo volumen; y detras de todo este caos se escuchan los teclados suaves de Steve Drozd, que lejos de contrastar le dan una fluidez más que ideal.

Despues de las secciones mas freneticas y psicodelicas ("Convinced of the Hex", "The Sparrow Looks Up at the Machine", "Aquarius Sabotage", "Watching the Planets"), nos encontramos con algunos puntos de descanso en aquellas piezas lentas tipicas de los Lips, llenas de las armonias y melodias sutiles que hacen tan caracteritico su pop electronico y que de alguna manera nos acercan al pasado de Soft Bulletin y Yoshimi ("Evil", "If", "Sagittarius Silver Announcement", "The Impulse").
Podemos escuchar un unico solo de guitarra, que bien podria haber salido de las mentes de Syd Barrett o Lou Reed, en "Powerless", el track mas extenso del disco.

Colaboran en el album, el duo neoyorquino, MGMT, con el track "Worm Mountain"; y Karen O, la voz desquiciada de la banda punk Yeah Yeah Yeahs, en "I Can Be a Frog" y "Watching the Planets". En lugar de contentarse con hacer un dueto tradicional de voces, los Lips prefirieron dejar que la vocalista hiciera ruidos de animales e imitara algunos efectos sonoros.

En lo personal, espero que los Lips vivan cien años y nunca paren de componer. Es su magia la que más necesaria no es ahora, cuando el hombre es un animal hambriento que no teme devorarse a si mismo; o en aquellos momentos cuando estamos tan solos y confundidos y no sabemos ni quienes somos; o cuando nos sentimos abrumados ante el gran espectaculo celestial ¿Que hay detrás de toda esta boveda de estrellas? O en palabras de Wayne Coyne: "I don't know where the sun beams end and the star lights begins it's all a mystery." Necesitamos la profunda comunicación de sus sonidos, necesitamos la magia, purificar nuestros sentimientos y expanderlos fuera de nosotros; llorar como recien nacidos. "El rock and roll renace en nuestros tiempos como un sistema espiritual", solía decir en tono de broma Rockdrigo Gonzalez; pero él era un visionario, un hombre del futuro (y quien sabe si de otros planetas). Los Flaming Lips y otros como ellos mantendran vivo el rock and roll y la palabra músical, esa experiencia telepatica que seria imposible describir con palabras terrestres.
Los Flaming Lips hacen los sonidos del futuro.

Embryonic (2009)

Tracklist:
1. "Convinced of the Hex"
2. "The Sparrow Looks Up at the Machine"
3. "Evil"
4. "Aquarius Sabotage"
5. "See the Leaves"
6. "IF"
7. "Gemini Syringes" (featuring Thorsten Wörmann)
8. "Your Bats"
9. "Powerless"
10. "The Ego's Last Stand"
11. "I Can Be a Frog" (featuring Karen O)
12. "Sagittarius Silver Announcement"
13. "Worm Mountain" (featuring MGMT)
14. "Scorpio Sword"
15. "The Impulse"
16. "Silver Trembling Hands"
17. "Virgo Self-Esteem Broadcast"
18. "Watching the Planets" (featuring Karen O)

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BLK JKS: Términos medios de influencias

Hace unos días fui al cine a ver Sector 9, una nueva película de ciencia ficción bajo producción de Peter Jackson, que a diferencia de otras que vi este año ésta realmente me convenció con su maravillosa y crítica historia, la trama a muy leve grosso modo, retrata una problemática social entre aliens y humanos en el llamado sector 9, área destinada para los alienigenas en la ciudad de Johanesburgo, Sudafrica... Me pareció bastante curioso que se ubicase en ese país la historia de éste film, ya que de un tiempo para acá se ha vuelto muy

mencionada (y todavía lo que falta) entre otras cosas porque en el próximo año se celebrara el mundial de futbol. Sin embargo, el nombre de Johanesburgo iba un poco más allá y es que había olvidado que tiempo atrás alguien me había recomendado un disco de una agrupación proveniente de esas tierras, se trata de BLK JKS y venía adornada con muy buenos comentarios, como considerarlos un grupo aún mejor que los mismísimos Tv On The Radio... y claro, cuando uno presta atención a eso se imagina a un montón de músicos mezclando cuanto género se encuentren pero haciendo sobresalir el rap, el hip hop y el funk, pero para mi sorpresa después de escuchar el álbum éste me parecio bastante diferente.

El disco se llama After Robots (notese que seguimos haciendo referencias sci fi), es un lanzamiento de éste 2009 y a diferencia de aquellos neoyorkinos liderados por Tunde Adebimpe éste álbum se envuelve en el afrobeat pero sobre todo el rock psicodélico que alcanza a tocar unas cuantas fibras progresivas, ya que la experimentación los hace rozarlas y caer en sus garras una y otra vez, de ahí a que en más de una ocasión me vinieran pasajes tan familiares creados por unos que conocen bien el rubro, como lo son Mars Volta.

Los BLK JKS (pronunciese Black Jacks) nacieron al comienzo de ésta década, sin embargo por diferentes razones hasta casi terminarla es cuando por fin surge la posibilidad de lanzar su álbum debut, y que para sorpresa se vale de variada instrumentación para armar ese lugar tan común como lo es en el world music al referir a la música con tintes etnicos y añadir otras influencias que provienen de ese rock con guitarras ácidas, sorprendentes cambios de ritmo que hacen eco directamente en el progresivo y todo eso para finalizar siendo sazonado con voces fuertes en algunos de los 11 idiomas oficiales que posee Sudafrica. After Robots es verdaderamente un grato resultado de esa mezcla y esa heterogeneidad entre culturas, un termino medio como ellos mismos lo llaman: "ni tan negro, ni tan blanco".

Confieso que el tema que más me gusto se trata de el que cierra el disco, y aparentemente el más simple, pero si arriba dije que éste álbum tocaba fibras progresivas, con Tselane cantada en zulu por Lindani Butelezi hace tocar (y dejando de lado los géneros) las fibras más internas y sensibles. Ciertamente que conmueve.

Los dejo en contraste con el tema abridor de After Robots:

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Slint, los fundamentos del Post Rock

Hubo un tiempo, cuando lo indie era indie, cuando lo under estaba under; cuando los chicos snob-indie-pretenders-middleclass-goddamnit de hoy derramaban sus primeros mocos y manchaban sus primeros pañales --y yo aprendía a dejar de usar lso míos [qué curioso se siente no estar más en la retaguardia generacional]--; cuando el post rock no era una fórmula acabada aprendida de memoria por imitadores japoneses o texanos garageros que llegados a su tercer disco lo repiten con distinto nombre ad infinitum; cuando ni siquiera existía el post rock porque el término no existía; incluso antes de que llegaran rubios siucidas a vaciar los bolsillos adolescentes antes de tomar la única decisión correcta en la vida; cuando un presidente afroamericano en EU era impensable como falaz era esperar la democracia en México; cuando Jackson estaba en su punto y nadie se lo imaginaba deforme, deman

dado y sobre todo, muerto.

En ese tiempo ya se comenzaba a sospechar que el rock era un cuento de hadas, que la música estaba muerta, que la historia había llegado a su fin; así que si el rock había muerto ¿por qué no ahcer algo más?, algo a posteriori. Lo post es una especie de fetichismo necrofílico (como la posmodernidad) porque toma el cadaver de lo que le precedió, sus propiedades y recursos para seguir fines distintos; así, post-rock se ha definido como lo que toma los recursos del rock para alcanzar fines distintos; ahí están la guitarra, el bajo y la abtería, ahí están el golpeteo y el zumbido, pero algo apesta, algo ha muerto y nadie parece entristecerse por ello, parecen una bola de flemáticos (dicen que nacimos bajo el signo de la indiferencia, probablemente sea muy cierto).

Sin llamarse a sí mismos Post Rock, Slint coemenzó a tocar el Requiem para el rock, sin que nadie lo notase, sin que a nadie le importase, sin que nadie derramara una lágrima por ese m

ito juvenil maltraido, gastado, predecible, aburrido, lugar común, mal amigo, jijodelachingada. En efecto, desde el primer murmullo de su segundo disco, Spiderland, el acorde es post rock; rock porque está hecho con guitarra, post proque huele a muerto, huele a los simulacros de Jean Baudrillard.

Un acorde cromático sin importar qué maldita nota sea, o si acaso es una nota. El sonido por el sonido; mover los dedos en la misma posición a lo largo del mástil en fractal cromatismo; crescendos y una batería, si se permite la expresión, armónica. Una oscuridad colorida, flemática.

En la primera canción nos perdemos en la feria, invitamos a la adivina a subirse a la montaña rusa. Bizarro. El vértigo. La segunda viene con un riff y un chillido; "Nosferatu Man" que complace a su reina --dios no quiere saber cómo lo hará-- las guitarras de la segunda parte se resuelven con una clautrofóbica belleza. "Don, Aman", la tercera, es una historia que a mi y a cualquier idiota como yo le ha sucedido; el protagonista se retira del epicentro de una fiesta, a orinar desde luego, el baño está perdido o extraviado así que va a un patio que brinda perspectiva de distancia, entre la vista nublada mira atrás para ver las parejas formadas, el amor adolescente fluye sin invitarlo a aprticipar; entre él y su orina sólo hay rabia y soledad --aquí viene un rasgueo de guitarra del que abusarán los futuros post rockers antes de cualquier crescendo típico del subgénero--; una áspera guitarra se lamenta cacofónica y se escucha "he knew what he had to do", el final queda a elección del auditorio.

"Washer" inicia con un acorde que será lugar común entre otras badas años después; es una especie de canción de amor, mejor dicho de post-amor, porque si el rock era un mito también el amor lo es; nadie con un par de neuronas puede creer más en él; otro mito de la modernidad. Lentamente llega el crescendo, pero como aquí es fresco, novedoso, no se espera, está vivo antes de que pasen los años y se conveirta en una fórmula más --porque el amor es una fórmula más, gastada, predecible, burguesa, goddamnit... el vacío, el quiebre.

"For Dinner..." no puede ser en realidad una canción, es un cadaver de canción que sólo existe como preludio del apoteósico final, que sin chistar es de las mejores piezas de la década pasada. "Good Morning, Captain", con esto, el muerto está bien enterrado; al final del camino no está la luz, sólo el más inmenso vacío. Culmina con un grito reiterado 'I miss you!!!!!'

Wikipédialos

Gracias a musicaparaepigrafes.wordpress puedes bajarlo acá

"Breadcrumb Trail" – 5:55
"Nosferatu Man" – 5:35
"Don, Aman" – 6:28
"Washer" – 8:50
"For Dinner..." – 5:05
"Good Morning, Captain" – 7:38

***

David Pajo – guitar
Brian McMahan – electric guitar, vocals
Britt Walford – drums, Vocals
Todd Brashear – bass guitar
Brian Paulson – engineering
Will Oldham – photography
Noel Saltzman – photography

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Stereolab y los acordes químicos del Sound-Dust

La música puede salvar almas; almas solitarias, almas decepcionadas, almas confundidas... cualquier alma. "La música es el arte que más fácilmente llega al ser humano", solía decir el cineasta alemán, Werner Herzog.

Algunos acordes, por su efecto disonante, por su instrumentación, por su timbre o volumen, acaban desconcertando al oyente; nos hacen sentir que acabamos de escuchar una gran pared de ladrillos desmoronarse; a veces, por mas emoción que esto nos cause, el efecto no puede dejar de ser aturdidor, incluso violento, muy desgastante para cualquier alma sensible a los ruidos fuertes, a la disonancia tras disonancia (que en manos de un compositor no experimentado, puede caer en el cansancio y en la misma monotonía que provocaría el exceso de consonancia). Stereolab se inclina más por la consonancia agridulce; escuchándolos jamas ocurre esa sensación de aturdimiento que describía antes, ni siquiera en sus intentos más monstruosos y distorsionados; al final, Stereolab es de textura suave (para respiro de los que están exhaustos de los interminables sonidos martillantes de la ciudad).

Podríamos decir que Stereolab no dice nada nuevo... ¿y que? A finales del siglo XIX, el compositor francés Erik Satie, aquel excentrico gymnopèdista, tampoco parecía decir nada nuevo en aquel momento, pero él solo llegaria a influenciar toda la música francesa que estaba por venir (directamente a Debussy y Ravel, y estos a Messiaen y Boulez) y al músico-inventor estadounidense John Cage (a quien precisamente los Stereolab le rinden homenaje en su canción "John Cage Bubblegum"). A final de cuentas, toda la música nace libre e igual.

¿Quienes son Stereolab?
La vocalista Lætitia Sadier y el tecladista-guitarrista Tim Gane, son la pareja al frente, quienes a través de los años han reclutado los músicos necesarios para darle vida a la banda.
Sus influencias musicales van desde el krautrock (Can, Faust, Neu!), la música brasileña (Antonio Carlos Jobim), la música clásica (Debussy) los minimalistas (Glass y Reich) e incluso el peculiar compositor mexicano Juan Garcia Esquivel.

El disco que quiero compartirles hoy es el Sound-Dust (2001), que a mi parecer es uno de los mejores de la banda, junto con el Emperor Tomato Ketchup (1996) (aunque el catalogo es muy amplio, si contamos la multitud de Ep's y compilaciones de rarezas que han sacado ellos mismos). Para este álbum la banda ya habrá encontrado toda la madurez posible de su rock-pop electrónico; las distorsiones disminuyeron pero las melodías se volvieron más sutiles.
En una primera escuchada podemos apreciar la gran cantidad de teclados electrónicos usados en cada canción (muchos de ellos modelos ya antiguos: wurlitzers, órganos Farfisa, clavicordios electricos), las guitarras acusticas y eléctricas (tocando como música hawaiana), flautas ("Space Moth"), arreglos de metales en el fondo ("Captain Easychord", "Space Moth", "Baby Lulu", "Hallucinex"), percusiones tintineantes ("Gus the Mynah Bird"), arpegios que nos dan la impresión de escuchar harpas electrónicas, efectos sonoros que realzan el sonido de los instrumentos tradicionales, una marimba ("The Black Arts"), y la maravillosa voz de Laetita Sadier, siempre en perfecta comunicación con la segunda voz de la bajista, Mary Hansen (este seria el ultimo álbum en el que habría de participar antes de su trágica muerte en un accidente). Excelente trabajo de músicos y de instrumentación. Todos estos son los ingredientes perfectos para hacer un disco único, entre el futurismo, la música tradicional, el rock and roll y el pop.

Stereolab empieza con una canción para subitamente cambiar por completo su sentido (ritmicamente, melodicamente). Ellos juegan, dan riendo suelta a su imaginación y a su mundo sonoro.

En sus letras (algunas en francés, otras en ingles, otras en ambos idiomas) nos cuentan acerca de la vida y la muerte, el bien y el mal, luz y oscuridad, el arte, ideas politicas, utopias, la necesidad de amar (esa eterna necesidad) y de aquellos momentos y placeres de la vida que a pesar de su simpleza nos son tan preciados como las grandes cosas.

En la producción del album, tenemos a mentes como las de John McEntire (Tortoise, The Sea and the Cake) y Jim O'Rourke (quien en ese momento aun era un miembro de Sonic Youth).

Decia el legendario Miles Davis que había muchos músicos que podían tocar realmente bien, como el mejor de los virtuosos, pero pocos que tuvieran un sonido único, ese sonido que los hacia sonar a ellos mismos y a nadie más. Stereolab siempre conto con uno propio y eso es lo que los hace tan grandes, emotivos e inspiradores. Es esta la música que se filtra en la vida, se mantiene en el corazón y le da esperanza al alma.

Tracklist:
1. "Black Ants in Sound-Dust" – 1:58
2. "Space Moth" – 7:35
3. "Captain Easychord" – 5:33
4. "Baby Lulu" – 5:13
5. "The Black Arts" – 5:12
6. "Hallucinex" – 3:55
7. "Double Rocker" – 5:33
8. "Gus the Mynah Bird" – 6:10
9. "Naught More Terrific Than Man" – 4:10
10. "Nothing to Do With Me" – 3:38
11. "Suggestion Diabolique" – 7:52
12. "Les Bons Bons des Raisons" – 6:43

Aquí el link para descargar el disco:
http://rapidshare.com/files/179229413/Stereolab_-_Sound_Dust.zip

Stereolab anuncio recientemente al publico su separación por tiempo indefinido.

El nombre en la dirección de este blog se debe a una de sus canciones.

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Atlas Sound: Idiosincrasia de ecos

El síndrome de Marfan es una de esas raras enfermedades genéticas hereditarias, y lo que la caracteriza es un extraño y anormal crecimiento en la longitud de los miembros del cuerpo, por ejemplo, y para tene

r un concepto del asunto, algunas personas famosas lo han padecido, como Joey Ramone, Abraham Lincoln, Nicoló Paganini y hasta el terrorista por excelencia Osama Bin Laden... entre varia gente populachera que padece la curiosa enfermedad esta por ahí el chico Bradford Cox al que varios tal vez le conocen por su agrupación Deerhunter, más no es mi intención profundizar en ellos , si no más bien, enfocarme en Atlas Sound, el proyecto de solista de Cox.

Y es que por ahí cuentan que después de un tiempo con Deerhunter, el buen Bradford seguía con la inquietud de mostrar a la luz cierto material que había grabado desde que cursaba el sexto grado con ayuda de una maquina de karaoke, sin embargo no se atrevía a incluirlas como material de su agrupación pues era un proyecto muy personal y tal no se encarrilaba lo suficiente con lo que ya venía elaborando con sus compañeros de banda (aunque cualquiera que haya escuchado Cryptograms no podrá negar que algunas piezas tienen un estilo muy parecido), así que el chico prefirió de manera independiente dar a conocer a su proyecto alterno al que desde años atrás ya había venido afinando hasta culminar en un álbum que pareciera que trata sobre ecos, ecos del post punk, ecos del shoegazing, ecos ambient, ecos noise, acompañados de secuencias electrónicas, ruiditos que descolocan y sonidos que extraen de la realidad por sus alucinantes y suaves atmósferas.

Let the blind lead those who can see but cannot feel (2007) es el disco debut, algo tan digno de recordar de los lanzamientos de aquel año, tan ligero y flotante como un átomo de helio y tan delirante como una ingestión de óxido nitroso... esta es música que obsequia inocente y amablemente boletos de ida a planos electropsicodelicos, sin siquiera dolerse o incomodarse por la sobredosis...

Disco dirigido sobretodo para los que gustan de las cosas ambient, "pop-experimentales", y a la vez tienen nostalgia por agrupaciones como Jesus and Mary Chain.

Por cierto, el próximo mes llega la entrega del segundo álbum de Atlas Sound para que estén todos atentos a lo que Bradford Cox nos trae este 2009.

Que disfruten del paseo en globo.

Para descargar el disco dar click en la portada.

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A Silver Mount Zion. Diferir. Resistir.

Hasta la educación media superior hay un aroma de polillas en toda la teoría y pensadores que nos enseñan; suenen tan distantes, tan irrelevantes para la edad, tan muertos.

Es el primer semestre en la Universidad, la materia de Teoría Social I, más abstracción, más pensar --y yo encantado. Llegada la mitad del curso, con Comte, Marx y Weber revisados la profesora anuncia que veríamos a un teórico que tal vez sería el primer personaje vivo que estudiaríamos. En mi caso lo fue, en la preparatoria lo más "nuevo" a que llegué fue Sartre, nada mal.

Pero pensé, este señor todavía está vivo, respira por ahí en algún lugar del mundo; se enteró como yo del 11 de septiembre, vio pactarse los TLC's, observó el nacimiento de la Unión Europea. Tan vivo. Se trataba de Jürgen Habermas; un nuevo post-adolescente idealista universitario de primer semestre no puede más que estar de aceurdo con el viejito alemán.

Termina la carrera, y uno se sorprende de la distancia en perspectiva teórica que ahora separa aquellos primeros días; tres veces cantaron Heidegger, Lumann y Derrida y yo negué a Habermas (=?). Sin embargo uno receurda el primer acuerdo, y no hay manera de resistirse a la sensibilidad y fuerza de su razonamiento.

Lo que entendí esa primera vez es que la soceidad era irracional sencillamente porque ya producía los medios e insumos para resolver por mucho todos los problemas de ambre en el mundo. ¡¿Y por qué demonios no lo hace?! ¡La riqueza del planeta alcanza para que ya no exista un pobre en el planeta! Es el proyecto de las Luces realizado, pero en manos de unso cuantos!

Escuela de Frankfurt, Teoría Crítica, Neo marxismo. Después de Lacan, Derrida y cuanto enfermo suelto pueda legitimamente escribir un libro nada fue igual; dejé de creer en las utopías, en la razón, vi de frente la perversión del comunsmo --bueno no, ciertamente no, no vivi en la Europa Oriental de la guerra fría.

Pero la invitación sigue ahí, y sigue siendo igual de exasperante que una persona muera de hambre en el mundo, que un niño muera de diarrea c

uando el resultado histórico del desarrollo técnocientífico basado en autoritarismos etnocentristas por lo menos ha inventado las vacunas. Se ha negado la potencia de la razón, ¿pero eso deja intacta la sinrazón, la barbarie? --si todos los países consumieran al ritmo de los EU, se necesitarían 9 planetas para proporcionar los recursos [y ahí viene China]. Que 4 mil millones de almas tienen una existencia inviable en el planeta. Que gente muera porque un país lejano porque otro país necesita petróleo para que una señora mueva su diminuto trasero en un monstruo de cuatro llantas y una tonelada que es a la gasolina lo que Carstens es a los almuerzos. Es tan estúpido el sentido que las cosas llevan. Y dan más ganas de diferir, de resistir, de negarse a toda costa a formar parte de ello. Qué es imposible cambair el mundo; seguro. pero el mundo no tiene por qué cambiarlo a uno, doblegarlo a sus formas, a sus palabras, a sus ritos, a sus rituales; y cuántas ganas dan de lanzar una molotov.

Todo este sentimiento habita en A Silver Mount Zion... un grupo que dice de su música hecha con violines "This is our punk rock", que en una canción canta con dos voces que susurran como el demonio y el ángel al oído, uno de cada lado:

(left):

The community is sick and the community is blind, yeah.
And it's colder than poland and the sun is not shining here;
And we're tangled in the shit of each other's ruined affairs;
And half of us are faking, and the other half is tired and scared...

(right):

Please believe in labour and hope and joy;
'Cause like a little boy, i have destroyed hope and joy

;
And lately i dream about angels with molotovs;
And nightly they fist me, wrists like tender trucks...

(y los dos cantan): These hands could've moved mountains

El nombre del disco es una cita bíblica de Job: "Yet man is born unto trouble, as the sparks fly upwards" (Job 5:7) (en español: "Pero como las chispas se levantan para volar por el aire, así el hombre nace para la desdicha.")

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